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En 2014, j’ai créé cette œuvre d’art pour mes examens de fin d’études secondaires. Ce travail a été fortement influencé par les œuvres des artistes de rue Supakitch et Koralie.
Le duo français d’art de rue Duo a cependant débuté en France, comme l’indique Koralie dans une interview,
« En France, il n’est pas accepté par la société de vivre du street art, Aux Etats-Unis, les artistes n’ont pas honte de vivre de leur passion, Ici on se sent libre ». (1)
ce qui a poussé le couple à déménager aux États-Unis dans l’espoir que les ventes de leurs produits dérivés prospèrent, plongé dans la culture du pop art qui les entoure, cela rejoint également le mouvement art and craft qu’il y a eu avec William Morris.
Le street art français s’est développé à partir du soulèvement étudiant de 1968 contre la société de consommation. Dans les années 80, le gouvernement socialiste de l’époque a commencé à soutenir le street art et ses artistes en accordant des subventions aux artistes émergents et en lançant des festivals dans tout le pays. (2) Ce soutien du gouvernement, associé aux œuvres d’autres artistes de rue/graffiti bien connus tels que Blek le Rat, a transformé la France en une nouvelle fondation pour les arts de la rue.
La culture japonaise a été un facteur d’influence important de leur travail. Ils s’inspirent tous deux de la musique et des mangas. Les personnages et les éléments de Supakitch impliquent des accents musicaux alors que les personnages de Koralie sont souvent basés sur l’idée d’une geisha et de ses tenues élaborées. La façon dont les artistes captent le mouvement dans leurs œuvres avec des informations entrelacées sur leurs personnages m’a intrigué.
L’exploration de l’art asiatique et des styles traditionnels de la culture japonaise était extrêmement séduisante, car ils ont pris une vieille culture historique et l’ont mélangée avec la nouvelle culture pop vieillissante d’aujourd’hui, créant ainsi quelque chose de vraiment unique et à couper le souffle.
J’ai pris en considération toutes ces observations de leur travail lors de la création de mon œuvre. Cependant, j’ai axé mes idées sur les animaux et l’environnement, avec l’oiseau qui vole vers le haut en quête de retraite et de liberté, suivi par les spirales multicolores qui devaient représenter les différents aspects de sa vie. Le bleu représentait le ciel, le vert la forêt, le rouge la crise de la déforestation et les dommages causés à la faune et à l’environnement qui s’insinuent sous et autour de tous les autres éléments.
Bien que la plupart des œuvres de Supakitch et Koralie soient visibles dans des paysages urbains très fréquentés, le couple a également commencé à présenter ses créations dans des galeries. (3) Lorsqu’on leur a demandé lors d’une interview si le fait de présenter leur travail dans une galerie leur semblait différent par rapport à la rue, le couple a répondu par l’affirmative,
« L’art de rue et la galerie sont totalement différents. Même si le sujet est le même, les termes sont totalement différents. Quand vous peignez une toile, destinée à une galerie, vous pouvez prendre votre temps, mais quand vous peignez dans la rue ou un poster de pâtes, vous devez être rapide. Lorsque vous peignez sur une toile, l’un est limité par le bord de celle-ci et l’autre par les murs de la galerie. Dans la rue, vous pouvez utiliser le paysage urbain pour vous exprimer ; vous choisissez le lieu de votre peinture par la visualisation et l’esthétique de ce lieu. Vous n’atteignez pas non plus les mêmes personnes ». (4)
Dans ce monde de politique et de règles, l’art de la rue reste à jamais évanescent. L’art dans la rue est toujours soumis aux conditions météorologiques et aux nettoyeurs. Dans une autre interview, Koralie déclare que,
« Parfois, les gens ne voient jamais votre travail… L’art de la rue enseigne la modestie et le détachement. » (5)
Dans l’ouvrage de Matthew Holt « Transformation of the Aesthetic : Art as Participatory Design, Design and Culture » de Matthew Holt, il affirme qu’il y a eu « une prise de conscience accrue de la participation du public à la co-création de sens, et la réalisation que les expositions ne sont pas tant des vues d’ensemble que des exercices ou des laboratoires dans des modes d’interaction spéculatifs », qu’il cite de « Living Laboratories for Interactive Art » de Lizzie Muller. (6)
Je suis d’accord avec ce que Supakitch et Koralie ont dit sur la façon dont l’art de la rue et l’art des galeries/musées sont perçus. L’art qui porte des messages forts fonctionne souvent mieux dans les rues, où le grand public et les résidents concernés du quartier peuvent s’identifier et ressentir l’œuvre, alors que s’il était présenté dans une galerie, l’œuvre resterait inactive sur un mur encadré et coupé de son public, essentiellement l’art qui est censé symboliser la liberté, est piégé. À mon avis, la déclaration de Matthew Holt selon laquelle l’art dans une galerie ou un musée est interactif et implique son public n’est vraie que dans une certaine mesure. Si les œuvres étaient présentées dans la rue, d’autres artistes auraient la possibilité de répondre par une autre image ou de commenter en ajoutant à l’œuvre existante – c’est à mes yeux ce que signifie « participation à la co-création de sens ».
Les artistes de rue exposent souvent leurs œuvres sur des murs qui ont une signification historique ou dans des zones où il y a une lutte, répondant aux voix non entendues de sa résidence. C’est ce qui donne à l’œuvre une vie, un sens et une histoire à son influence. Alors que dans les galeries ou les musées, l’œuvre d’art n’est pas entourée de sa signification.
